La escultura gótica en Francia

Después de centurias de decadencia, en el siglo XI, comienzan a producirse  grandes cambios a nivel económico, político, social y cultural en las ciudades europeas. Las diócesis debían “salvar las almas” y educar al pueblo, y esto lo conseguían mediante la imagen esculpida, que, gracias al aristotelismo y a la revalorización de la razón humana, se volvió más natural, viva, realista y mucho más cerca de los humanos, con vestiduras reconocibles y rostros individualizados y expresivos.

Los orígenes de la escultura gótica los encontramos en la portada central de la Abadía de Saint Denis en París, que no es una catedral, pero si un lugar clave en la monarquía francesa, panteón de reyes y testigo de alguna coronación mítica. La iglesia fue renovada en la primera mitad del siglo XII y, aunque nos encontramos aún muy cerca del estilo románico, ya observamos novedades del nuevo estilo: la iconografía es similar a la románica pero la escultura es más humanizada, el conjunto no da la sensación de terror del anterior estilo, es más sereno, más ordenado. Se colocó una escultura de bulto redondo de un santo en el parteluz, algo habitual posteriormente, y también los ancianos del apocalipsis tallados en las arquivoltas siguiendo el sentido de los arcos. Otra novedad fundamental fueron las estatuas-columna, que aparecían en las jambas, pegadas a las columnas de los lados de la puerta, pero talladas independientemente, una fusión perfecta entre escultura y arquitectura.

Portada Real de la Catedral de Chartres, 1140.

Portada Real de la Catedral de Chartres.

Detalle del Pórtico Real.

Detalle del Pórtico Real.

Las esculturas de Saint Denis desaparecieron y solo las conocemos por testimonios y grabados, pero su estilo lo podemos encontrar en la Portada Real de la Catedral de Chartres (1145-1155), otro monumento esencial de esta primera etapa. Las estatuas-columna de reyes y profetas se funden también con las jambas, formando una unidad con la arquitectura. Comenzamos a vislumbrar el naturalismo gótico, observamos figuras ataviadas con ropajes cortesanos e incluso, hombres comunes esculpidos entre las figuras divinas. En esta portada todo responde a un orden, donde la geometría y la matemática transmiten una visión divina, por lo tanto, estamos ante un orden basado en la fe y en la razón, en contraposición al mundo fantástico y monstruoso del románico.

Portal de Santa Ana, Notre Dame de París.

Portal de Santa Ana, Notre Dame de París.

Detalle de una portada de Notre Dame de parís.

Detalle de una portada de Notre Dame de parís.

El tercer gran ejemplo de la primera etapa de la escultura gótica es la fachada meridional de Notre-Dame de París, la Portada de Santa Ana (1140-1150). Su tímpano central fue esculpido para el edificio anterior al actual, y es de estilo tardorrománico, pero el resto de la portada, tanto la decoración de arquivoltas y jambas como el friso con historias sobre San Joaquín y Santa Ana en el dintel, son de este primer gótico que comentamos. También hay una estatua de bulto redondo en el parteluz y las columnas ya casi han desaparecido de las jambas, siendo sustituidas por estatuas. Esta portada y la de Notre-Dame de Senlis (1170) desarrollan el ciclo iconográfico de la Virgen María, otorgándole protagonismo total, hasta el punto de que en Senlis aparece esculpida al lado de Cristo y del mismo tamaño que él.

Portada del Juicio Final, Notre Dame de París.

Portada del Juicio Final, Notre Dame de París.

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Portada del Juicio Final, Notre Dame de París.

Y ya pasamos al siglo XIII, donde el estilo evoluciona hacia la monumentalidad y la recuperación de las formas de la antigüedad clásica. Esta nueva tendencia se llama Estilo 1200 y empieza con la reconstrucción de la fachada occidental de Notre-Dame de París, en la que la Portada del Juicio Final (1201) nos muestra a un Cristo humanizado que ya no es solo un juez que infunde temor, sino que también es redentor. Viendo como están organizadas las figuras en esta portada, se desprende que los escultores habían estudiado las obras de la antigüedad.

Portada de la Catedral de Amiens.

Portada de la Catedral de Amiens.

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Portada de la Catedral de Amiens.

Virgen Dorada de la Catedral de Amiens.

Virgen Dorada de la Catedral de Amiens.

La catedral de Amiens es una de las obras cumbres del gótico francés, destaca por su monumentalidad y por la profusión de detalles en sus fachadas. Al final de la construcción de la misma, en 1288, se esculpió la Virgen Dorada, que ocupa el parteluz de la portada sur y que muestra a una virgen joven y sonriente, que mira con dulzura al niño, sin rastro de hieratismo, y con su cuerpo ladeado, una clara vuelta al contraposto clásico. Con esta escultura se inicia la representación de un tipo de virgen totalmente nuevo, de gran éxito durante el siglo XIII.

Portada de la catedral de Reims.

Portada de la catedral de Reims.

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Portada de la catedral de Reims.

Finalmente, en la Catedral de Reims (1255-1275), la escultura desborda las portadas y se extiende por toda la fachada del edificio. Ahora, en los tímpanos hay rosetones y la escultura asciende a los gabletes. La portada central se dedica a la Coronación de la Virgen, y en sus jambas se sitúan los conjuntos escultóricos más famosos de la escultura gótica, entre ellos, el grupo de La Visitación, que se considera el punto culminante de la recuperación de la escultura clásica en la Edad Media, representando a María e Isabel con ropajes llenos de pliegues con mucho movimiento, el cuerpo en contraposto y la cabeza doblada, y el grupo de La Anunciación, más hierático y parecido a la escultura de Amiens, con figuras muy verticales y con ropajes de pliegues rectos que recuerdan a la Virgen Dorada.

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Portada de la catedral de Reims.

Portada de la catedral de Reims.

Portada de la catedral de Reims.

Es importante destacar que en algunos casos resulta complicado el análisis de las esculturas góticas de las catedrales francesas debido a las modificaciones e intervenciones que realizaron Viollet-le-Duc y sus seguidores durante el siglo XIX, que se dedicaron principalmente a la restauración e invención de conjuntos monumentales medievales, siendo muy criticado por el atrevimiento de sus soluciones y añadidos no históricos, y la pérdida de autenticidad de muchos monumentos. Se achaca a Le-Duc falta de rigor histórico al buscar una recuperación idealizada del edificio, añadiendole incluso partes que nunca habían existido.

Durante la primera mitad del siglo XIV la escultura deja de estar al servicio del clero y comienza a gestarse una escultura cortesana, de carácter ornamental. Son encargos de particulares que formaban parte de la monarquía o la nobleza. Se trata de pequeñas estatuas de temática religiosa para el culto privado. Hay gran variedad de ellos, vírgenes, santos, crucificados o ángeles, hechos con gran delicadeza y gracia, la moyoría esculpidas con materiales nobles, sin policromar, solo decoradas con oro. En esta época comienza a reducirse la producción de escultura monumental.

Virgen de Jeanne de Vreux.

Virgen de Jeanne de Vreux.

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Virgen de Marfil. Saint Chapelle, París.

Con la subida al trono de Carlos V el Sabio, en 1364, París se convierte en el centro creador donde se definen las tendencias artísticas del momento. Las pocas obras que nos han llegado de aquella época tienden al realismo.

Sepulcro de Carlos IV y Juana de Evreux. Juan de Lieja.

Sepulcro de Carlos IV y Juana de Evreux. Juan de Lieja.

Rostro de Carlos V, André Beauneveu.

Rostro de Carlos V, André Beauneveu.

Artistas como Juan de Lieja o André Beauneveu se hicieron famosos, sobre todo por sus esculturas funerarias, como las estatuas yacentes de las entrañas de Carlos IV y Juana de Evreux (1370), en las que se manifiesta el estilo de Lieja, con rostros muy fieles a la realidad, las manos muy logradas y la cadencia de los tejidos. También destaca la escultura yacente de la tumba de Carlos V, de Beauneveu, de escala monumental y extremadamente detallista.

Detalles del sepulcro de Felipe el atrevido.

Detalles del sepulcro de Felipe el atrevido.

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Detalles del sepulcro de Felipe el atrevido.

Figura de fraile del sepulcro de Felipe el atrevido.

Figura de fraile del sepulcro de Felipe el atrevido.

A finales del siglo XIV y principios del XV, en el ocaso de la Edad Media, los sepulcros monumentales adquieren una gran dimensión sociológica, aunque tipológicamente no se innova, ya que continúan esculpiéndose estatuas yacentes, si se desarrolla el estilo, y aparecen variantes, como las estatuas yacentes rodeadas de plañideros, como el sepulcro de Felipe el Atrevido (1384), personaje que quiso crear un centro artístico en Borgoña capaz de rivalizar con París. Fruto de dicho empeño, se concibió la Cartuja de Champmol (1406) en Dijon, de la que se encargó el escultor Claus Sluter, donde destaca la portada con una virgen situada en el parteluz y los duques de Borgoña acompañados de santos sitiados en las jambas, pero ya totalmente separados de las columnas, vestidos con amplios ropajes con un estilo muy realistas. En la Cartuja también se encuentra el Pozo de Moisés, obra cumbre de la época compuesta por una gran cruz destinada a situarse en el centro del cementerio del complejo, de la que solo se conserva el zócalo, con profetas y ángeles esculpidos de forma monumental y pesada, preludiando el arte de los pintores flamencos renacentistas.

Parteluz, portada de la Cartuja de Champol.

Parteluz, portada de la Cartuja de Champmol.

Pozo de Moises, Cartuja de Champmol.

Pozo de Moises, Cartuja de Champmol.

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