Caravaggio

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Caravaggio es el máximo representante de la corriente barroca tenebrista, pero no se limitó a pintar en ese estilo, ya que su obra está llena de diferentes matices y variables, como es el caso de pinturas como “Cesto de Frutas” (1596), de un realismo casi fotográfico, o de “El descanso en la huida a Egipto” (1594) que tiene un aspecto muy manierista.

Canestra_di_frutta_(Caravaggio)

 

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El pintor se formó en Milán, pero de aquella época no nos ha llegado ninguna obra suya, solo se sabe que sus maestros no eran de primera fila y que sentía admiración por el estilo naturalista del arte milanés.

Sobre el 1590 viaja a Roma y desde ese momento y hasta su muerte, desarrolla una de las carreras artísticas más importantes de la historia, convirtiéndose en una figura de referencia a lo largo de los siglos y en todo el mundo.

Aunque fue una persona bastante problemática, asiduo de los bajos fondos, camorrista y amante de la mala vida, la iglesia católica requirió muchas veces de sus servicios para llenar los templos que construía sin parar en plena Contrarreforma, de hecho, la mayoría de sus obras son de temática religiosa.

Era un pintor muy admirado entre los artistas, a los que sorprendía con sus obras tan personales y diferentes, pero esas mismas características hacían que el clero muchas veces repudiaran sus obras, como en el caso de “la Muerte de la Virgen” (1605), que fue todo un escándalo en su época, ya que se cree que Caravaggio se inspiró en el cadáver de una prostituta ahogada en el Tíber para pintar a la Virgen y además, dicha figura no tiene ningún signo de divinidad, es demasiado humana, incluso su vientre está hinchado y se le ven las piernas desnudas.

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Se le acusó de vulgarizar la religión, elegía a sus modelos entre la gente de más baja condición, como mendigos, prostitutas o chicos de la calle. Un detalle muy curioso es que pinturas de episodios religiosos, como “La Vocación de San Mateo” (1599) o “La cena de Emaus” (1600) están representados como escenas de taberna, con los personajes vestidos como los contemporáneos de Caravaggio.

Tampoco pintaba siguiendo los cánones que marcaba la iglesia de idealización de sus santos, a los que representaba sin concesiones a la belleza: en “La Crucifixión de San Pedro” (1601) el apóstol es un anciano calvo con el cuerpo ajado y el rostro lleno de arrugas. En el ya citado “La muerte de la Virgen” los apóstoles son viejos de aspecto rudo, con ropajes pardos y aspecto pobre, igual que en “La cena de Emaus” (1600), donde el personaje de la izquierda viste con ropa llena de remiendos.

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Se hizo muy famoso a todos los niveles: clero, nobleza y pueblo. Fue considerado como un radical, inconformista y fuertemente innovador, por lo tanto, es de suponer que todos esperaran sus nuevas obras a ver que había hecho.

Caravaggio es el gran pintor del Barroco, y muchas de las características de sus obras se corresponden con las del arte de aquel período.

Sus obras están llenas de pequeñas anécdotas y detalles muy cuidados. En el cuadro “Niño con cesto de frutas” (1593), de sus primeros años en Roma, pinta una hoja de higuera con una mancha producida por un hongo y en su “Baco” (1595) el personaje sostiene una copa de vino en la que ha pintado las ondas en la superficie de la bebida producidas por el temblor de la mano y las frutas que aparecen están todas en malas condiciones, pasadas, picadas y abiertas.

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Otra de sus características principales es la teatralidad y el dramatismo. Plasma las escenas con mucha intensidad y sus personajes tienen actitudes y gestos muy emocionales. Sus obras son como un torbellino, muchas de ellas se componen de un conjunto de cuerpos en movimiento, como en “La Resurrección de Lázaro” (1608) donde pinta al grupo de personas en actitud de pasmo y sorpresa ante el milagro realizado o como en “El Santo Entierro” (1602) donde los personajes están representados en una especie de cascada diagonal donde todos están moviéndose con gestos muy dramáticos. Realiza composiciones muy complicadas y dinámicas.

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Sus personajes tienen vida interior, Caravaggio logra transmitirnos su psicología, tanto en “La Resurrección de Lázaro” como en “La vocación de San Mateo” nos muestra un Jesucristo sereno, prácticamente con el mismo gesto elegante de la mano señalando a Lázaro o a Mateo y en “El Santo Entierro” el personaje de la derecha mira al supuesto espectador del cuadro como si lo invitara a participar en la escena. Tanto en “Baco” como “El Amor Victorioso” (1602), el dios y Cúpido también observan al supuesto espectador, esta vez con una mirada que podría interpretarse como sensual, algo turbia, sonriéndonos con descaro.

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Finalmente comentaremos el uso que hace Caravaggio de las luces y sombras. El artista lleva la técnica del claroscuro al extremo, instala a sus figuras en fondos neutros y oscuros, deslocalizándolos, incluso se atreve a dejar grandes áreas vacías, como en el caso de “La Resurrección de Lázaro”, donde toda la mitad superior del cuadro está pintada de negro. En estos entornos oscuros destaca a los personajes con iluminaciones muy inteligentes y originales, por ejemplo, en “El Martirio de San Mateo” (1599) la luz parece emanar del cuerpo del verdugo, que se encuentra en el centro del cuadro, e ilumina solo la parte expuesta de los personajes que se mueven a su alrededor, dejando a oscuras el resto. En “La Vocación de San Mateo” un gran foco de luz surge horizontalmente de una ventana en la parte superior del cuadro, como Jesús está justo debajo del haz de luz, prácticamente solo se le ve el rostro y su mano señalando a Mateo. En “El Santo Entierro” parece que un fuerte foco ilumina desde la esquina inferior izquierda al conjunto de personajes y en “La Muerte de la Virgen” ocurre lo mismo pero desde la esquina derecha, justo donde se encuentra una mujer sentada llorando. Caravaggio pinta como si estos haces de luz no acabaran de llegar al fondo de la escena, que siempre suele mostrarse muy oscura o directamente en negro.

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Y como no se deja nada al azar, en esa oscuridad destacan las figuras con un colorido y un realismo impresionante, y grandiosas anatomías como la del cuerpo de Jesús o las manos levantadas de la mujer representada en la parte superior de la escena o las piernas del personaje que está llevando a Jesús, todas en el cuadro de El Santo Entierro”.

Con tanta sombra, la manera que tiene el pintor de mostrarnos la profundidad de la escena es a través de escorzos que representa con posturas y movimientos de los personajes pintados, esta es otra muestra del gran talento y la genialidad de Caravaggio. Son famosos los escorzos de “La Cena de Emaus”, tanto el del brazo derecho de Jesús como el del apóstol de la derecha del cuadro, con los dos brazos extendidos, lo que lo convierte en uno de los escorzos más profundos y conocidos de la historia de la pintura.

1602-3_Caravaggio,Supper_at_Emmaus_National_Gallery,_London

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  1. Fantastica entrada, enhorabuena.

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